viernes, 23 de junio de 2017

Rayuela - Rayuela (1978)




Banda formada por Marcelo Morano y Willy Campins a fines de 1976. Luego de varios meses de preparativos y ensayos en un sotano que compartian con el grupo de Gustavo Santaolalla "Soluna", debuto en el Teatro Del Carmen en abril del año siguiente.
Despues de mantenerse en actividad durante todo ese año, sus integrantes ingresaron a mediados de 1978, a registrar su primer (y unico) album, que se edito a los pocos meses y recibio excelentes criticas por su rock progresivo bien interpretado. La versatilidad de los músicos les permitió infundir aires sinfónicos en el resultado final, toque que le dá sofisticación a su estilo. Estas incursiones en su mayoría son proporcionadas por las entradas del teclado y sus elegantes texturas, y el uso medido e inteligente del saxo y la flauta en la mayoría de las líneas melódicas principales. La gran ventaja de este disco se centra en la creación de ambientes muy emotivos a través de líneas melódicas agradables y con arreglos de buen gusto, con algunos temas realmente cautivantes de evidente belleza.
Paralelamente a la aparicion del material ingresaron a Rayuela Osvaldo Boch en remplazo de Berinstein y el ex Soluna Oski Amante en percusion. Con esa formacion continuaron actuando sin mucho eco popular hasta que a mediados de 1979 se separaron.



"El debut discográfico de Rayuela lo muestra como un grupo fundamentado en canciones, expresadas a través de arreglos sencillos pero bien estructurados, con un rasgo jazzístico. Uno de los elementos identificatorios de la agrupación es la prolijidad y el equilibrio, que la conduce a conformar un sonido compacto y convincente. Sin ser virtuosos, consolidaron una imagen sonora que es el comienzo visible de una mayor evolución. El aporte vocal de Goldstein es correcto, tiene un buen vibrato, pero le falta una modulación más diversa. Un punto flojo lo constituye el aspecto literario, de escaso relieve. En síntesis, un buen comienzo para la futura construcción de un sonido propio." 

                                                                                Revista Pelo (Critica del disco-1978)




Integrantes:

Eduardo Berinstein: Saxo tenor, flauta y percusión
Willie Campins: Bajo y voz
Andrés Goldstein: Guitarra y voz
Marcelo Morano: Teclados
Guillermo Nojechowicz: Batería, voz y percusión


Temas:

01- La casa del hombre
02- Los ultimos grillos
03- Aéreo
04- Vientos de calma
05- Acaso tu crees
06- Sexo y dinero
07- Vendre con el viento



Formato: Mp3 - 320 Kbps

http://www.mediafire.com/file/6ye5kovz4c45k92/Ryl-Ryl.rar

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viernes, 16 de junio de 2017

Alma y Vida - Volumen 2 (1972)




Grupo pionero del jazz-rock en la argentina, Alma y Vida nació como acompañamiento del cantante Leonardo Favio, de quien se abrieron en 1970. Esta fue una agrupación fundada por músicos enamorados del jazz que se habían volcado paulatinamente al rock y a la llamada música beat de principios de los '70 sin olvidar sus raíces. Los primeros pasos de la agrupación estuvieron directamente emparentados con el estilo de bandas extranjeras como Blood, Sweet & Tears y Chicago, formaciones que también contaban con una raíz jazzística pero que se movían cerca del rock.
Alma y vida debutó durante un ciclo efectuado los domingos por la mañana en el teatro Opera, junto a nombres como los de Manal, Arco Iris y Vox Dei.
Con el ingreso de Gustavo Moretto en reemplazo de Mario Salvador, Alma y Vida encontró su mejor forma y cumplió una destacada actuación en las dos primeras ediciones del mítico festival B.A.Rock, en el ex velódromo Municipal. Este éxito los impulsó a registrar el primer álbum, en 1971. A base de varios hits como "Salven a Sebastián" u "Hoy te queremos cantar", la banda consiguió gran repercusión entre un público no estrictamente rockero y de ese modo logró erigirse en una asidua animadora de bailes en los clubes "de moda".
A fines de 1974 Gustavo Moretto se alejó de la formación para incursionar en una música mucho más compleja y elaborada con el trío Alas. Su partida aceleró un proceso de crisis interna en la agrupación que el ingreso del vientista Osvaldo Lacunza no pudo salvar.
En 1976, Alma y Vida grabó su quinto y último LP de la primera etapa de la banda y a poco de editado, la agrupación se desmembró a raíz de la partida de Carlos Mellino.



"Algunas actitudes de la agrupacion, particularmente el presentarse en ámbitos no aceptados por parte del público y particularmente por cierta prensa sectaria, hacen que la banda sea discriminada y caratulada como "complaciente". En contraposición a esta supuesta "deserción" la banda, en este segundo disco,  desarrolla temas como "Hoy Te Queremos Cantar" escrito por Gustavo Moretto, que la gente inmediatamente asocia con la figura del Che Guevara. En el resto de las letras se aprecian referencias contestatarias en forme reiterada. Esteban Mellino es nuevamente autor de letras como la de "Don Quijote de Barba y Gabán" y "Un Sonido Final". Incorporan arreglos más interesantes, los temas se prolongan dedicando más espacio a lo instrumental, se aprecia más el interesante trabajo de Barrueco en la guitarra eléctrica y hay más exposición de los teclados. Un paso adelante en el desarrollo musical del grupo."                                                  
                                                                                                                 (progresiva70s.com)                                               
                                                                            


Integrantes:  
  
Bernardo Baraj: Saxos, flauta traversa, voz
Carlos Mellino: Voz, guitarras, organo
Juan Barrueco: Guitarra electrica, voz
Carlos Villalba: Bajo electrico
Gustavo Moretto: Trompeta, teclados, flauta dulce, voz
Alberto Hualde: Bateria, accesorios


Temas:

01- Hoy te queremos cantar
02- Un hombre mas
03- No corras nono
04- Cancion que se viene
05- Don Quijote de barba y gaban
06- Para mi no hay jaula
07- Fantasia sobre los Reyes Magos
08- Un sonido final   

                                                                                 

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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viernes, 9 de junio de 2017

Kano y Los Bulldogs - Idem (Uruguay -1969)




Corría el año 1964 cuando se juntan Roberto Alonso (Kano), Humberto Buono, Ricardo Bragaña, Jorge Bragaña, Carlos Zenaldi y Eduardo Jusid, para formar "The Epsilons", ya que en aquellos días había una tendencia de poner nombres en inglés a las bandas uruguayas. También otra tendencia de las bandas de rock era conformarse con cuatro integrantes y mientras "The Epsilons" se mostraba en público con cuatro integrantes, en las tapas de los discos figuraban cinco integrantes, pero se sabía que eran seis músicos los que integraban la lista y se presentaban a grabar en los estudios.
Luego de grabar un SP en el sello Clave de Montevideo cambiaron su nombre a "Los Bulldogs". Se radicaron en Buenos Aires, donde realizaron varios simples con covers en inglés, como “Black is Black”, de Los Bravos, incluido en “Los 16 Hits del Momento”, un LP de varios intérpretes de RCA en 1966.
La estrategia para promover al grupo en Buenos Aires por parte de la discográfica, fue ponerlos a caminar por plena peatonal Florida, paseando con un collar de puntas cada uno, botas taco alto, cadena pasea perros y el pelo largo, lo que logro un  impacto bastante bizarro para el año 1967.
Después de grabar dos LP como "Los Bulldogs", la banda comenzó a conocerse con éxito en Argentina como "Kano y los Bulldogs".
En 1969 graban la canción “Sobre un vidrio mojado” que salio publicado en el compilado de mayor venta en la historia de la RCA Argentina “Los preferidos a la luna”, siendo el tema más irradiado y pedido del famoso LP, alcanzando un rotundo éxito en el Río de la Plata y el resto de Hispanoamérica.
Luego la historia de Kano y los Bulldog continuaria en Uruguay cuando editaron para el sello Sondor su último LP  “Carita con Carita” en 1972.
Luego de tener un gran éxito en los 70’ “Sobre Un Vidrio Mojado” fue versionada por los españoles "Los Secretos", que la popularizaron en su país en la década de 80 y la incluyeron en varios de sus álbumes. En la década del 90 fue grabada por el argentino Sergio Denis para su álbum “Natural” (1994) y por el grupo uruguayo "Trotsky Vengaran" para su disco “Yo no fui” en 1998.




Integrantes:

Roberto "Kano" Alonso: Voz lider, guitarra
Humberto "Nengo" Buono: Primera Guitarra
Ricardo Bragaña: Batería 
Jorge Bragaña: Bajo
Carlos "Moro" Senaldi: Guitarra
Eduardo Jusid: Piano (entre 1966 y 1969)

Temas:

01- Vuelvo A Casa    
02- Sobre Un Vidrio Mojado    
03- Una Casa Azul    
04- Cuando Yo Te Recuerdo    
05- Hoy Se Rieron    
06- Cuando Sea Mayor
07- La LLamada    
08- Un Mundo Para Ti    
09- Si Estás Conmigo    
10- Era Sólo Un Sueño    
11- Soledad    
12- Carta Para Ti  

13- Una Casa Azul (Simple 1969)
14- Todo quedo atras (ya todo paso) (Simple 1969)


Sonido Mejorado

 Formato: mp3 - 320 Kbps

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martes, 6 de junio de 2017

David Lebon - Siempre Estare / Si De Algo Sirve (1983-1985)




Dos discos descatalogados de David Lebon pedidos a La Nave. La calidad de sonido no es optima, pero vale su publicacion ya que es muy dificil conseguirlos. Dejo la propuesta a quien tenga cualquiera de estos discos en mejor calidad, por si quisiera compartirlos en el blog. Desde ya sera bienvenido.

 En 1982 Serú Girán se separó y David Lebon se volcó de lleno a su carrera como solista. Ese mismo año presentó con gran éxito su tercer disco, "El tiempo es veloz", con el que demostró una vez más su enorme talento como músico. Pero el éxito no se detuvo ahí, sino que acompañó a David en los años siguientes.
En 1983 grabó "Siempre estaré". Este disco se caracteriza por sus baladas y melodías pop rock, con temas exitosos como "No llores por mí, reina", "Quiero regalarte mi amor", y en menor medida "Despertándome sigo soñando" o "Dicha y luz". No obstante hay incursiones más cercanas al rock, como "Bonzo" (dedicado al baterista de Led Zeppelin, John Bonham), o "El rock de los chicos malos", canción con sabor boogie y letra irónica acerca de los fans, y la cultura del heavy metal.
La famosa canción navideña "White Christmas" cierra el disco, en versión castellana cantada a dúo por David con su hijo, David Lebón (h). El álbum cuenta con las participaciones entre otros de Claudia Puyó, Osvaldo Fattoruso, Daniel Colombres y Beto Satragni. Este disco fue presentado a fin de año, en 1983, en unas inolvidables funciones en el Teatro Coliseo de Buenos Aires.
un año más tarde graba "Desnuque", un homenaje al rock and roll, que contó con la producción de Charly García en algunos temas -"Contigo qué pasa", "No lo ves, tonto", "Rock de la cárcel" y "La cadena se rompió"- y la colaboración de Celeste Carballo en "Hacelo hoy conmigo". El álbum fue presentado ese mismo año con tres recitales en Obras, a estadio completo.
En 1985 publica "Si de algo sirve", disco que marca el inicio de su contrato con la multinacional CBS. Es un album tranquilo, de un pop más melódico, aunque sin dejar de rockear en temas como "Todos en un cuarto", una de las canciones más difundidas, juno con "Y si de algo sirve" y "Un día que no fue". Participaron Daniel Castro en bajo y Luis Gurevich (talentoso pianista, futuro colaborador de León Gieco) en teclados, como nuevos integrantes de su banda de apoyo. Este trabajo es una especie de resumen de los dos últimos álbumes de Lebón, "Desnuque" y "Siempre estaré".

Luego, en 1986, editaria "7x7", con temas que se destacaron como "Puedo sentirlo", en el 87 "Nunca te puedo alcanzar", para culminar su prolifica decada del ochenta con el album "Contactos" en 1989. 




Musicos y Temas en "Siempre Estare" (1983):

David Lebon: Guitarras, voz, bajo, armonica, mandolina
Osvaldo Fattorusso: Percusión
Beto Satragni: Bajo
Daniel Colombres: Batería
Diego Rapoport: Teclados
Hector Starc: Guitarra
Omar Mollo: Coros
Claudia Puyo: Coros
Mercedes Backer: Coros
David Lebón (h): Voz en "Navidad blanca (White Christmas)


01- Siempre estaré cerca
02- Quiero regalarte mi amor
03- Tu canción me hace daño
04- Miro el sol
05- Despertandome sigo soñando
06- Bonzo
07- Dicha y luz
08- Rock de los chicos malos
09- No llores por mi reina

 
Musicos y Temas en "Si de Algo Sirve" (1985):


David Lebón: Guitarra, voz, órgano Hammond, piano Rhodes
Daniel Colombres: Batería, coros
Daniel Castro: Bajo, bajo Moog, coros
Luis Gurevich: Teclados, coros

 
01- Todos en un cuarto
02- Ya debes ser feliz
03- Nadie sabe escuchar
04- Un día que no fue
05- Sólo sos vos
06- Y si de algo sirve
07- Y me sucedió a mí
08- Si yo pudiera ser tu amigo
09- El mejor amor
10- Hace siete días
11- Y si de algo sirve (final)



Formato: Mp3 - 192 Kbps

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viernes, 2 de junio de 2017

Vivencia - Sensitivo / Azules de Otoño (1977-1979)




Semana de discos pedidos a La Nave del Rock Argento. Se trata en este caso de dos trabajos de Vivencia, publicados entre 1977-1979,  que se encuentran fuera de catalogo hoy en dia.

Dúo acústico por excelencia de la primera camada de nuestro rock, surgen hacia el año 1972.
Iniciado a través de la amistad que unía a Eduardo Fazio y Hector Ayala, el nombre del dúo originalmente era "Maderas", que cambian rápidamente al surgir las primeras presentaciones por Vivencia que les resultaba mas representativo de lo que ellos querían expresar, lo cotidiano y las cosas vividas.
Su primer disco, "Vida y vida de Sebastian" (publicado en el blog), cosechó variadas críticas y se centraba en la historia de una persona, Sebastián, y lo que le sucedía a lo largo de su vida, esto con marcado paralelismo con trabajos anteriores de bandas como los "Who".
Su segundo álbum de estudio "Mi cuarto" de 1973 (tambien publicado en el blog), fue el más exitoso del dúo y se ha convertido en un clásico de los años setenta. Entre sus temas más conocidos figuran: «Los juguetes y los niños» y «Mi cuarto» son clásicos del rock nacional argentino.
A partir de ese inesperado suceso, el dúo cobró notoriedad a nivel nacional y dio paso a otros discos, como Vivencia (de 1975), que contiene la famosa canción «Pupitre marrón», un clásico por décadas cantado incansablemente por los grupos de egresados de la escuela secundaria. Ese LP también lleva «Mamá probeta», tema que criticaba los por entonces incipientes ensayos de la fecundación in vitro.
Continuan luego con la edicion de los dos discos presentados aqui: "Sensitivo" en 1977, con excelentes arreglos de cuerdas de Oscar Cardoso ocampo y "Azules de otoño", ya en 1979, que cuenta con invitados de lujo de la talla de Bernardo Baraj, Diego Rapoport, Machi Rufino, Dino Saluzi etc. Con varios de estos musicos el duo grabaria en 1979 la obra conceptual "Los Siete Pecados Capitales". En 1983 deciden separarse tras la edición del disco "Pare y escuche".
A principios del 2000, regresan lentamente a los escenarios realizando presentaciones esporádicas en varios puntos del país, hasta que en el año 2005 editan "En Vivo", un CD con 13 temas que abarcaba todas las épocas de la banda. Finalmente, Héctor Ayala fallece a los 72 años el 16 de julio de 2016 en Buenos Aires, tras una larga lucha contra el mal de Parkinson.





Temas y Musicos en "Sensitivo" (1976):

01- Con un brazo en el hombro
02- Sólo los viejos
03- Casitas de almidón
04- Mi hermano mayor
05- Viajero urbano
06- Fantasía de una noche de invierno
07- Mi nave celeste
08- Atardecer de tu pueblo
09- Su lejano pueblo
10- Señora de la escoba


Hector Ayala: Voz, guitarras acusticas de 6 y 12 cuerdas, electrica, melotron
Eduardo Fazio: Voz, guitarra acustica, guitarron, armonica, sintetizador
Oscar Cardozo Ocampo: Arreglos de cuerdas

Temas y Musicos en "Azules de Otoño" (1979)

01- Con un niño en nuestros cuerpos
02- Lo que soñaste tener
03- Sonrisas que alimentar
04- El amor nos hace a todos llegar
05- Algo nuevo ya comenzaba
06- Cálido tapiz
07- Patrimonio de un hombre solo
08- Plaza Roberto Arlt
09- Mi duende querido
10- Gira la vida


Hector Ayala: Voz, guitarras acusticas y electricas
Eduardo Fazio: Voz, guitarras acusticas y electricas
Diego Rapoport: Teclados 
Bernardo Baraj: Saxo
Dino Saluzzi: Bandoneon
Carlos Alberto "Machi" Rufino: Bajo
Luis Ceravolo: Bateria


Formato: Mp3 - 320 Kbps

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viernes, 26 de mayo de 2017

Pappo's Blues - Vol.1 (Vinilo FLAC-1971)




El historico primer album de Pappo's Blues ripeado de la edicion original de vinilo. Publicado bajo el sello Music Hall (Serie discoteca-2554). Grabado en dos canales con sonido monoural.

 Pappo's Blues (también conocido como "Volumen 1"), es el primer disco de Pappo's Blues, lanzado en 1971. Reúne clasicos de la carrera de Napolitano, históricas canciones que se entonan con aire legendario: el furibundo blues rock psicodélico de Algo ha cambiado, la declamación urbana de El hombre suburbano, la queja en formato blusero de Adónde está la libertad y demás gemas. Este álbum tuvo una capital importancia en la instalación del blues como genero musical en la Argentina, y catapultó a Pappo al nivel de leyenda de la guitarra. Se trata de uno de los discos claves del primera etapa del Rock argentino.


Comentario que aparece en la contratapa original de este disco:


"Una de las cosas que siempre recuerdo es "hay que ser respetuoso de las especialidades", pero realmente Pappo justifica que yo hable como lo quiero hacer hoy.
Cuando Pedro Pujó y yo preparábamos el lanzamiento de Manal en el Nuevo Teatro asistía a los ensayos Pappo, el ex-guitarrista de los Abuelos de la Nada.
En los descansos, cuando arrancaba con su guitarra las paredes se caían. Luego fue Mar del Plata; durante 15 días Manal fue un cuarteto. Alejandro, Javier y Claudio y él, ya un monstruo de la improvisación que nos hacía vibrar. Entonces empezó nuestra persecución para que Pappo fuera Pappo.
Conexión N° 5 y Los Gatos fueron excusas. O quizás yo las viví como excusas o pérdidas de tiempo que hacían difícil nuestra relación.
Las veces que Pedro y yo masticábamos trampas o le tirábamos señuelos para que Pappo
abandonara toda otra cosa que no fuera su música y se zambullera en su propio delirio.



 Finalmente, ese día llegó. Pappo apareció con más paz y locura que nunca y dijo: "Sí ahora sí". No hizo falta más. A partir de ahí todo fue muy rápido: con Davies, un excelente violero se convirtió en sólido bajista y con Black, el batero de tantas zapadas recordables nació Pappo's Blues. De los ensayos a la sala de grabación fue un paso. La exhuberancia, la fabulosa capacidad para la improvización de Pappo y su guitarra, una base rítmica fuerte y rica fueron haciendo de ellos un trío que maravillaba a cuantos asistían -técnicos incluídos- a esa increíble serie de sesiones.
Yo se que se me están escapando muchos adjetivos, y que Pedro, (en Nueva York) y Pappo (en España) seguramente me lo reprocharán. No importa. Me acuerdo del día en que Barry, dueño del sello Trend de Londres, y productor de The Foundations y muchos otros conjuntos de éxito, escuchó a Pappo y dijo "Luego de Eric Clapton y Jimi Hendrix no escuché un guitarrista que me impactara tanto".



 Black Amaya, Pappo y "Davies" Lebon: Foto contratapa

Las palabras sólo sirven en este caso para explicarles lo que yo siento gracias a Pappo, los momentos maravillosos que me ha permitido, los vuelos que hicimos juntos por ese enjambre de sonidos y sensaciones que sus dedos y su cabeza producen. Cuando de repente soy intelectual a pesar mío, escucho sus letras y me maravilla la lucidez de su mensaje; de repente me olvido hasta de nuestros subdesarrollos. Realmente Pappo logra eso en mí y se que a partir de este L.P. seremos muchos, con todos los matices, los que opinaremos de la misma forma.
Ser convencional es un riesgo que generalmente se evita; decir Gracias Pappo, es ser absolutamente convencional, pero, ¿hay alguna palabra menos usada que signifique tanto y que sea tan precisa? Creo que no. Por lo tanto Gracias Pappo de nuevo; y Gracias Davies y Black y Gracias Billy Bond y Ricardo Kleinman. Sin ustedes hubiera sido todo más difícil."

                                                                                                             Jorge Alvarez-1971

Integrantes:

Pappo: Guitarra, voz, piano
David "Davies" Lebon: Bajo
Black Amaya: Bateria

Temas:

1- Algo ha cambiado
2- El viejo
3- Hansen
4- Gris y amarillo
5- Adios Willy
6- El hombre suburbano
7- Especies
8- Adonde esta la libertad


Muestra grafica de la grabacion sin perdida de audio original


Ripeado De Vinilo

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 44.100 Hz -16 bits

https://mega.nz/#!8dJCXDAZ!wIed1zfM-A46HWB4wzQBP_1KKc9wmSn_kNnat-ADSBE

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viernes, 19 de mayo de 2017

Black Amaya Quinteto - Concarán (2006)




Black Amaya, legendario baterista del rock argentino, integrante de La Pesada de Billy Bond, Pescado Rabioso y Pappo's Blues, formo este quinteto para tocar "la música que disfrutó en su adolescencia": blues, boogie woogie y shuffle.

El quinteto nace de una idea y deseo que Black tenía en mente desde hace unos años atrás, cuando escuchó por primera vez a Johnnie Johnson, pianista de toda la vida de Chuck Berry. Su intención era que la banda que formaría algún día tuviese al piano y al contrabajo como sonido principal, y que su repertorio contuviera los clásicos de los maestros del Blues, Muddy Waters, J. Johnson, Elmore James, Willie Dixon, C. Berry, Howlin Wolf y otros creadores de la época de los años años 1950 y años 1960. Por supuesto que al sumarse la guitarra y batería no debía perder el sonido de esos años tan gloriosos de creación de la música del blues y el rock 'n' roll, que han inspirado a tantos grupos ingleses. Uno de los principales grupos que difundieron este estilo fue los Rolling Stones, banda de la que Black con sus 16 años se sintió atraído hasta integrar su primer grupo Las Piedras. A pesar del furor de Los Beatles por ese entonces, sin saberlo ya Black estaba tocando algunos temas de estos maestros, que a través de los años siguen sonando por el mundo. Por otra parte es muy importante decir que lo que refleja el Quinteto no es ni más ni menos que la síntesis de un recorrido musical y de vida... y en particular de Black.
En el año 2006 editaron "Concarán", el disco debut, grabado en primeras y segundas tomas de todos los integrantes juntos, sin cortar ni agregar notas, para mantener al máximo el sonido crudo de los shows en vivo. El álbum fue bautizado en homenaje al pueblo de San Luis donde nació toda su familia paterna.


 "Es una síntesis de viejos sueños que tenía guardados desde hace mucho tiempo y pude concretarlos gracias al pianista Johnny Johnson en su disco Johnny B. Bad; me gustó tanto que ahí mismo me dije: quiero tener una banda como ésta y con el mismo sonido ya"                                                                                         Black Amaya                                                                                                          
                                                             


Integrantes:

Black Amaya: Batería
Diego Czainik: Voz
Federico Salgado: Contrabajo
Gabriel Gerez: Piano
Rulo García: Guitarra electrica, Slide y Guitarra acustica

Temas:

01- Concarán
02- Blues desde la carcel
03- Listos para el show
04- Me gusta ese tajo
05- El tren blanco
06- Blues de otoño
07- Movin out
08- Blues de la amenaza nocturna
09- Rock me baby
10- Shake your moneymaker
11- I can't be satisfied
12- Spider and the fly
13- Rulos Boogie
14- Nicky
15- Despiertate nena (Bonus Track)


Formato: Mp3 - 320 Kbps

http://www.mediafire.com/file/mp9lzlgwr09f4cv/Blck_my_Qntt_-Cncrn.rar

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viernes, 12 de mayo de 2017

Quinteplus - Quinteplus (1972)




La historia de Quinteplus tiene sus comienzos en el año 1969 y su música esta mas emparentada con el jazz que con el rock, de todas formas sus talentosos integrantes reconocían y practicaban un amplio abanico de influencias musicales. Mediante su tecladista, Santiago Giacobbe, (que utilizaba piano eléctrico Fender) fueron pioneros en la incorporación de sonidos eléctricos al jazz.

Quinteplus fue una suerte de supergrupo integrado por los jazzeros criollos Gustavo Bergalli en la trompeta, Jorge Sanders en el saxo, Santiago Giacobbe en los teclados, Jorge Gonzalez en el bajo y la batería de Carlos Pocho Lapouble. Fueron una de las bandas más solidas del jazz argentino de los setenta. Tocaron mucho en directo pero grabaron muy pocos discos, sólo dos, uno en estudio (“Quinteplus”) y otro en directo (“En vivo”), que tuvieron escasa repercusión, sobretodo porque su propuesta musical y su estilo se adelantaron mucho a su tiempo. Pero así es como se escribe muchas veces la historia de la música.
Surgido en un momento en el que en las venas de los músicos argentinos parecieron mezclarse sanamente con alguna inyección de rock, los Quinteplus se dejaron llevar por la transformación arrolladora del jazz que por esos días soplaba gente como el Gato Barbieri, pero de una manera mucho más fresca y relajada.
Tambien es evidente la influencia del Miles Davis más eléctrico –el “Silent way” y el “Bitches Brew” están muy presentes- y del jazz-rock que por aquel tiempo hacía su aparición. Esto no era excusa para que no se interesasen, ademas, por los ritmos folkloricos argentinos.
Cuarenta minutos de música, ocho temas uno mejor que el otro. “El pasito de Nano”, “La vuelta del Elefantor”, “Loberman, el hombre lobo”, o “Blackman, el justiciero”, títulos que de paso permiten contestar también aquella pregunta de Frank Zappa acerca de si música y humor pueden ser compatibles. Ah, un lugar bien destacado se gana la versión imperdible del clásico “Los ejes de mi carreta” de don Atahualpa Yupanqui.




Integrantes:

Gustavo Bergalli: Trompeta
Jorge Anders: Saxo tenor
Santiago Giacobbe: Piano electrico
Jorge Gonzalez: Bajo, contrabajo
Carlos Pocho Lapouble: Batería


Temas:

01- Loberman, el hombre lobo
02- Los ejes de mi carreta
03- Blackman, el justiciero
04- El marques (Parte 1,2 y 3)
05- El pasito de Nano
06- Zamba de mis pagos
07- La vuelta del elefantor
08- Oda a Billy Joe 


Formato: Mp3 - 320 Kbps

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viernes, 5 de mayo de 2017

Conexion Nº 5 + Bonus (1969)




Con su pelo negro prolijamente engominado, su campera de cuero y sus enigmaticos guantes negros, Carlos Bisso irrumpio en la escena porteña a fines de los años '60. Su banda Conexion Numero Cinco, por la que tuvo un breve paso el gran Roberto "Pappo" Napolitano, debuto en 1969 y se caracterizo por la calidad instrumental y la elaboración de los arreglos. La formacion inicial estaba integrada por Carlos Bisso en voz, Raúl 'Cuervo' Tortora (bateria), Marcelo Trull (guitarra), Mario Ricciardelli (teclado) y Ruben Blanco (bajo). Lugo de la grabacion de este primer disco, Bisso se separa en 1970 para continuar con su propia banda, Carlos Bisso y su Conexion Nº 5, mientras que la original continuo con Amadeo Alvarez como vocalista.. Bisso, quien era un excelente cantante, de timbre grave y profundo, fue rotundamente rechazado por el publico de rock al presentarse junto a la banda de Alchourron "Canto y Clarificacion". Evidentemente era considerado representante de la "musica comercial", que para un cierto sector del publico  no tenía posibilidades de evolucionar en su propuesta.
Como parte de su producción discográfica quedaron numerosos discos simples y tres albumes con diferentes formaciones y títulos similares: Conexión número 5, Carlos Bisso con su Conexion numero 5 y Carlos Bisso y su Conexion numero 5. Varios de sus temas figuraron en el el ranking musical argentino durante varias semanas, entre otros Sing Sing Barbara, Dong Dong Diki Diki Dong, Venus y Orgullosa Mary.

En 1970 Carlos Bisso fue declarado triunfador en el Primer Festival de la Cancion Argentina Para el Mundo, organizado por RCA y CBS en el Luna Park, con el tema "Que Difícil es Vivir Entero".
La trayectoria del cantante incluye además un breve paso por el cine, como actor. En 1971 tuvo un papel protagonico en "Los buenos sentimientos, de Bernardo Borenholtz, meses despues sufriria un choque automovilístico que lo tuvo entre la vida y la muerte, pero del que no tardo en recuperarse.
Fallecio a los 63 años, en el año 2005, en su casa del partido bonaerense de Tigre.





Integrantes:

Carlos Bisso: Voz
Marcelo Trull: Guitarra
Raul 'Cuervo' Tortora: Bateria
Mario Ricciardelli: Teclado
Ruben Blanco: Bajo

Temas (LP):

01- Vuelve, Nena (Baby, Come Back)
02- El Globo Rojo (The Red Balloon)
03- Calma... Ni Una Palabra A María (Hush... Not A Word To Mary)
04- Chewy-Chewy
05- Deja Que Comiencen Las Penas (Let The Heartaches Begin)
06- Hey Joe
07- Hazme Una Señal (Gimme A Little Sign)
08- Sigue (Keep On)
09- Buscandote
10- Yo Pretendo (I Pretend)
11- Demasiado, Para Ser Tan Chico (Too Bit Manchild)
12- Jesamine

Bonus Tracks: 


13- Si Solo Tuviera Tiempo (If I Only Had Time)
14- La Gente Es Extraña (People Are Strange)
15- Suave, Suave (Softly, Softly)
16- Ob-La-Di, Ob-La-Da
17- Extasis 



Sonido Mejorado

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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viernes, 28 de abril de 2017

Roque Narvaja - Octubre (mes de cambios) 1972




Roque Narvaja estuvo desde muy joven vinculado a la música, con 17 años fue el lider de "La Joven Guardia" desde 1966, luego de ello forma parte de la banda de Litto Nebbia, con el que graba "Muerte en la catedral"
En 1972, este magnifico compositor y multiinstrumentista, inicia su carrera solista, con el disco Octubre (mes de cambios), uno de los mejores discos que ha dado el folk argentino. Este album contiene canciones con alto contenido social y letras politizadas, de gran calidad musical, como en el caso de "Revolución mi amor", "Camilo y Ernesto" (sobre los revolucionarios Camilo Cienfuegos y Ernesto Che Guevara) y "Balada para Luis", dedicada a Luis Pujals (militante del Partido Revolucionario de los Trabajadores, PRT) que según el propio Narvaja "simbolizaba un revolucionario secuestrado, fue uno de los primeros desaparecidos".
Las canciones no fueron bien vistas por el gobierno del aquel entonces,  por lo que Narvaja sería uno de los tantos artistas que serían amenazados por el Estado, sobre todo por su inclinación a la política de izquierda.
Luego grabaria el disco "Primavera para un valle de lágrimas" (1973) y
en 1974 formaria su propio grupo de apoyo, que a su vez dio nombre a su nuevo L.P.: "Chimango", de alta influencia folklorica. El trío estaba integrado por Ernesto Franco en bajo, Daniel Berardi en guitarra y Trapa en batería. En medio del clima político que se vivía por aquellos años, Narvaja planifica un disco llamado "Amen" que es censurado y no llega a editarse. El 4 de abril de 1977, luego de varios "aprietes" recibidos por parte de la dictadura civico-militar de la argentina, decide exiliarse junto a su esposa y su hijo rumbo a Madrid, donde se radica y continua su carrera, cambiando levemente su estilo hacia un sonido mas pop, pero con la misma calidad lírica. De esta época son dos de sus canciones más reconocidas comercialmente: "Menta y limón" y "Yo quería ser mayor".
Narvaja regresó a la Argentina recién en 1989, a los 38 años de edad, y para radicarse eligió Junín, donde vivió hasta 1995. Desde el año 2008 reside en la ciudad de Rosario (Provincia de Santa Fe), y realiza frecuentes presentaciones en las que interpreta sus canciones.




Musicos:

Roque Narvaja: Voz, guitarra de 6 y 12 cuerdas, charango, armonica, flauta
Litto Nebbia: Piano, voces
Cacho Arce: Bateria
Cacho Lafalce: Bajo
Domingo Cura: Percusion
Uña Ramos: Quena
Miguel Cantilo: Coros
Jorge Durietz: Coros


Temas:

01- Traigan vino
02- De leche y miel
03- Balada para Luis
04- Revolución mi amor
05- Sobre la confusión
06- Octubre (mes de cambios)
07- Camilo y Ernesto
08- A través de los Andes
09- Dame el sol



Sonido Mejorado

Formato: Mp3 - 320 Kbps

http://www.mediafire.com/file/0dwfs2dtpu0rqky/Rq_Nrvj-ctbr_%28Ms_d_cmbs%29.rar

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viernes, 21 de abril de 2017

Pescado Rabioso - Desatormentandonos (Vinilo FLAC-1972)




Clasico de clasicos, un disco muy entrañable para mi y seguramente para muchos de ustedes. Este vinilo ha estado acompañandome desde hace muchos años, en distintos momentos de mi vida.  Ahora es tiempo de compartirlo con ustedes, en este ripeo, para que lo disfruten de una forma diferente, con sus ruiditos e imperfecciones. Con el gusto unico y original que tiene el sabor de lo añejo.


Luego de la separación de Almendra, Spinetta realizó un largo viaje por Europa durante la mayor parte de 1971 y al volver formó el trío Pescado Rabioso, junto Black Amaya (batería) y Osvaldo "Bocón" Frascino (bajo) quien más tarde fue reemplazado por David Lebon. Con esa formación debutó en mayo de 1972. Poco después, durante la grabación de Desatormentándonos, se sumaría Carlos Cutaia en teclados.
En 1972 Argentina vivía un momento de ebullición política. La dictadura militar gobernante autodenominada "Revolución Argentina", estaba en retroceso debido a las grandes sublevaciones populares y juveniles a partir del Cordobazo en 1969, y la formación de grupos guerrilleros. Se había visto obligada a levantar la prohibición del peronismo, permitir la radicación en el país del expresidente Juan Domingo Perón, derrocado en 1955 y llamar a elecciones democráticas en marzo de 1973, en las que ganaría el peronismo por amplio margen.

Desatormentándonos es un álbum de blues, psicodelia y rock pesado, en un momento en que el rock pesado recién comenzaba a nivel mundial, pero alternando fragmentos líricos y corales con guitarras eléctricas fuertemente distorsionadas. Spinetta le asignaba al disco un espíritu de rebeldía y una mentalidad paranoica proveniente de la etapa francesa de su viaje y del momento histórico del país y de la juventud. Los dos textos incluidos en el sobre del disco terminan con la misma postdata: "Yo te amo BEATLES". Aunque estén firmados por "Pescado Rabioso", es obvio que la primera persona se refiere a Spinetta. Spinetta ratifica así la influencia crucial que Los Beatles tuvieron en él, en un álbum que reconoce influencias más directas en Led Zeppelin y Jimi Hendrix.




La portada del álbum fue dibujada por Gustavo Spinetta, hermano de Luis y Jorge Gonzalo Vizñovezky. Se trata de una pintura abstracta, que ocupa toda la portada, de gran impacto visual y colorido, con predominio del rojo y el azul.
El título está ligado a dos palabras, "tormenta" y "tormento", pero usando el prefijo negativo "des" para crear una inusual expresión, "des-atormentar", con en el fin poner el acento en la eliminación de la tormenta y el tormento, ambas situaciones muy ligadas al momento en que el álbum fue realizado de finalización de la dictadura militar que gobernó Argentina entre 1966 y 1973. Spinetta utiliza varias veces la expresión "tortura", cuando se refiere al álbum, en especial en el mensaje escrito en el sobre interno:


"El pueblo es la estrella mágica. Todos la vemos parecerse al río. Los gusanos de los emperadores trepidan en apocalíptico festín. Ellos no tienen tiempo de recurrir a las armas. La estrella las fusionó todas en un plano infinito. La cabellera de los torturadores sangra en mi carro. Nosotros: desatormentándonos para siempre.
PD: Yo te amo Beatles."                                                                               PESCADO RABIOSO

 

"La violencia de la música y de los nombres del grupo y del disco eran un armamento para luchar contra la mediocridad y evitar que se estableciera un vínculo sobre la base de la chatura de algo anterior. Siempre temí que a la gente le quede lo menos sustancioso y perdure una imagen de vos que no tolerás. Desatormentándonos era oponerse a esa mentalidad argentina que erige ídolos para luego desmitificarlos. Yo esperaba que esa violencia reaccionase por medio de la creatividad, porque si uno se expresa no puede estar atormentado por las cosas. La creatividad sería una forma de suprimir el dolor que da despegar, sería una forma de despegar sin pensar que es algo imperativo, sino que el hecho de despegar sea siempre lo presente. Por otra parte, los estados paranoicos, los escritos que hice en Francia, me habían dejado la sensación de que me había marcado rutas tempestuosas dentro de mí y que también había visto profundos abismos. Desatormentándonos implicaba moverse en esas aguas, como si se pudiera sumergir una linterna para observar lo que pasa alrededor, y asumiendo que todo eso forma parte de uno..." 
                                                                  Spinetta sobre el significado de "desatormentar" (1988) 




Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, voces, dichos
"Bocon" Frascino: Bajo, voz y guitarra lider en Dulce 3 Nocturno
"Black" Amaya: Parches 3000, platos electricos
Carlos Cutaia: Organo en Serpiente

Temas:

01- Blues de Cris
02- El jardinero (Temprano amanecio)
03- Dulce 3 nocturno
04- El monstruo de la laguna
05- Serpiente (Viaja por la sal)


  Muestra grafica de la grabacion sin perdida de audio original


Ripeado De Vinilo

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 44.100 Hz -16 bits

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viernes, 14 de abril de 2017

El Sindykato - El Sindykato (Uruguay-1970)





El Sindykato fue un grupo uruguayo de fines de los años 60 y primer mitad de los años 70, junto con Psiglo referente de esa época, aunque su estilo es más propio de los 60 por su orientación psicodélica que en algunos puntos recuerda a los grupos ingleses de fines de esa decada. Su música era un estilo de candombe, con rock y psicodelia,  sobre todo en este primer album.
El primer ensayo de la banda tuvo lugar el 1 de setiembre de 1969 y participaron los cuatro integrantes fundadores: Juan E. Des Crescenzio , Miguel A. Livichich, Oscar Rial y J. Carlos Tizzi. Algunas semanas después se agregó al grupo Santiago Poggi. En el Festival de Musica Beat de Piriàpolis de 1969 obtuvieron el primer puesto con la canción "La fuga de la carbonería" (que fue censurada en algun medio uruguayo por supuesta apologia del delito), compuesta por su líder Miguel Livichich la cual relataba la célebre fuga del Penal del Punta Carretas de 1931. En este perìodo formò parte de la banda "Chichito" Cabral quien participò en la grabaciòn del tema "Montevideo" del primer LP.

Para el segundo álbum Miguel Livichich deja el grupo para formar Miguel y El Comite, se incorporan entonces Mario Poggi en flauta dulce y Háctor Tejera en tumbadoras. Juan de Crescenzio se ocupa de la voz solista. La orientación musical oscila entre el candombe, la canción melancólica y algunos aproximaciones al barroco. Dentro de las prolijas instrumentaciones hay que destacar un enfoque más acústico. La resultante es un álbum más reposado, sin la energía de Livichich, pero con una mayor elaboración musical.
  "Vuelve a tu País" es el tercer y último disco de la agrupacion, que ahora debe sufrir la partida de de Crescenzio, Tizzi y Rial. Entran Mingo Roverano en batería, Bubby Paolillo y Water Venancio en bajo y Jorge Galemire en guitarra. Es aún más notable la inclinación hacia lo acústico. Ahora no solo está más incorporado el candombe sino también los ritmos folclóricos. La sección de percusión tiene momentos protagónicos al igual que los teclados, pero es la flauta el instrumento siempre presente, con interesantes pasajes instrumentales.




Integrantes:

Carlos Tizzi: Bajo, voces
Miguel Livichich: Guitarra, voz
Juan Des Crescenzio: Guitarra, voz
Oscar Rial: Bateria, percusion, voces
Santiago Poggi: Teclados, organo, piano


Temas:

01- Tren De Ratones   
02- Mira Por Mí   
03- Señor Dolor   
04- Los Pañuelos   
05- Haz De Luz   
06- Ciudad De Los Muertos   
07- Montevideo   
08- Adivina   
09- Nunca Pude   
10- Tu Nombre Y La Calle   
11- Rimándote Con La I   
12- La Fuga De La Carbonería

13- Graf Spee - Bonus Track (Simple-1970)


Formato: Mp3 - 320 Kbps

http://www.mediafire.com/file/ath8w11rc2crmkq/l_Sndykt-l_Sndykt.rar

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viernes, 7 de abril de 2017

Gustavo Montesano - Homenaje (1977)




Luego de la disolucion de Crucis, en 1977, Gustavo Montesano comenzó la grabación de su primer disco en solitario: "Homenaje'', donde contó con colaboraciones de los músicos más importantes del rock argentino de entonces. Montesano ha considerado este disco un virtual «tercer disco» de Crucis puesto que los músicos de este grupo tocaron en casi todas las canciones, junto a otros destacados instrumentistas como Pedro Aznar, José Luis Fernández, Charly García, Nito Mestre y Alfredo Toth, entre otros.
Esta publicacion contiene dos bonus tracks de Crucis pertenecientes a un simple que nunca llego a editarse.


 "Homenaje fue una especie de experimento musical donde pude realizar mis composiciones, y asi lo hice con la inestimable ayuda de todos los musicos que en el participaron, especialmente Pino, Gonzalo y Anibal, mis compañeros de Crucis y de mi productor Jorge Alvarez, quien me dio la libertad de grabar el disco de la forma que a mi me pareciera. Hoy casi veinte años despues, lo escucho y no puedo creer la tecnica, frescura y libertad con la que grababamos en aquella epoca."

                                                                                                  Gustavo Montesano (1996)
  
 
"El LP se llama Homenaje, que es precisamente una especie de homenaje a todo el período pasado de Crucis. Toqué yo naturalmente, tambien Pedro Aznar, los chicos de Crucis, Charly García, Nito, María Rosa Yorio, Alfredo Toth y un cuarteto de cuerdas. Creo que hay varias cosas que dejan ver bastante la línea musical de Crucis. Pero tambien hay muchas cosas mas libres que yo tenía ganas de hacer, algo tirando mas al folk o al rock and roll... Son siete temas totalmente libres, que no tienen gran conexión uno con otro, hay temas totalmente intelectuales. Todas las letras tienen un poco de continuidad, un tema. El tema es la introspección mental. Una especie de qué pasa conmigo, que pasa con nosotros. Las letras tratan problemas que de pronto tengo yo y veo que tambien tiene la gente."
                                                                                G. Montesano - Revista Roll (1977)
                     

                   
  
Musicos:

Gustavo Montesano: Bajo, teclados, voz 
Gonzalo Farrugia: Batería
Pino Marrone: Guitarras 
Aníbal Kerpel: Teclados

Musicos Invitados:

Charly Garcia: Piano
Pedro Aznar: Bajo, flauta, sintetizador
Horacio Malvicino: Arreglo de cuerdas

Maria Rosa Yorio: Voces
Nito Mestre: Voces
Alfredo Toth: Bajo
Jose Luis Fernandez: Guitarra acustica  


Temas:

01- Sinfonia lunatica
02- Cuando la duda se hace grande aldrededor
03- Desde que te pude ver
04- La ultima barrera
05- Marginado en el tiempo
06- Primer triunfo
07- Homenaje color naranja
08- Balance (Bonus Track - Crucis)
09- Exentos de Dios
(Bonus Track - Crucis)                                                          


Formato: Mp3 - 320 Kbps

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viernes, 31 de marzo de 2017

Donna Caroll - Donna Caroll (1973)




Otro disco muy pedido en La Nave del Rock Argento, el de esta excelente cantante de jazz con la colaboración de La Pesada del Rock and Roll, interpretando algunos temas emblematicos de la musica popular argentina y latinoamericana Un delirio de eclecticismo en el que hay "rarezas" tan interesantes como "La baguala rock del gualicho" (de Alejandro Medina), conviviendo con "Chiquilin de bachín" (de Piazzolla y Ferrer), así como "Los ejes de mi carreta" (de Atahualpa Yupanqui), "María Betania" (de Caetano Veloso), "El dia que me quieras" (de Gardel y Le Pera) y "Plegaria para un niño dormido" (de Spinetta, que fue el simple de difusión de este album). 


 Donna y La Pesada

"Para los estudiosos del rock nacional, Donna Caroll es también una gran cantante que supo tener un encuentro con la troupe de La Pesada del Rock and Roll que comandaba Jorge Álvarez, legendario editor y productor de bandas como Manal, y pionero creador del sello Mandioca. Por iniciativa de Álvarez, la Caroll cantó en Buenos Aires Blus y luego junto a su marido Oscar López Ruiz grabaron un muy buen álbum (el homónimo Donna Caroll) con músicos como Billy Bond, Alejandro Medina y otros habitués de La Pesada. Hoy es pieza de colección y una joya de su discografía.

–¿Cómo fue que terminaste grabando con La Pesada?

–Fue idea de Jorge Álvarez. Y fue la oportunidad de hacer cosas maravillosas, sobre todo para Oscar, que aprovechó para interactuar musicalmente con La Pesada. Ellos se portaron excelente con nosotros. Y aún hoy, cuando nos vemos, nos abrazamos y nos saludamos con mucho cariño. Por ejemplo con Alejandro Medina cuando nos encontramos en Sadaic. La verdad que me encantó hacer ese disco con ellos y hoy lo recuerdo como un momento muy lindo."

                                                                                                                       Donna Caroll

"En ese disco yo grabé las bases. Me pareció copado que haya grabado una baguala mía siendo un rocker. Me refiero a La Baguala Rock del Gualicho"   (Alejandro Medina) 



 Oscar Lopez Ruiz, Alejo Medina, Donna Caroll, Billy Bond


Temas y autores:

01- La baguala rock del gualicho (Alejandro Medina)
02- Sana, sana, colita de rana (Raul Porchetto)
03- Chiquilín de Bachín (Astor Piazzolla-Horacio Ferrer)
04- Las casualidades de Bebe, Belly, Donna y Juan (B.Bond-B.B.Muñoz-Juan Gelman)
05- Los ejes de mi carreta (Atahualpa Yupanqui)
06- Plegaria para un niño dormido (Luis Alberto Spinetta)
07- María Betania (Caetano Veloso)
08- El día que me quieras (Carlos Gardel-Alfredo Lepera)


Sonido Mejorado

 Formato: Mp3 - 320 Kbps

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